Francesco Gesualdi : Notes de passion dans l’accordéon contemporain

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Francesco Gesualdi, né en 1973, est une figure de proue de la scène musicale internationale, connu pour son extraordinaire talent d’accordéoniste et son engagement inlassable dans l’éducation musicale. Sa carrière de concertiste est parsemée de succès : il a joué dans de nombreux festivals internationaux, collaboré avec des orchestres de renommée mondiale et s’est produit dans des salles de concert renommées. Chacune de ses performances se caractérise par une profonde intensité émotionnelle et une exécution technique irréprochable, qui enchante et captive le public. En plus de sa carrière de concertiste, Gesualdi est fortement engagé dans l’enseignement. Actuellement, il enseigne au Conservatoire de Musique « San Pietro a Majella » de Naples, l’une des académies de musique les plus prestigieuses d’Italie.

Dans cet entretien, nous explorerons l’univers musical de Francesco Gesualdi, en découvrant ses sources d’inspiration, les défis et les joies de sa carrière, et ses visions de l’avenir de l’accordéon. À travers ses mots, nous aurons l’occasion de mieux comprendre le parcours d’un artiste qui a consacré sa vie à la musique, contribuant de manière significative à l’enrichissement et à la diffusion de l’accordéon sur la scène musicale internationale.

1. Professeur au Conservatoire « San Pietro a Majella » de Naples, reconnu par la critique et le milieu de la musique contemporaine comme l’un des principaux accordéonistes italiens engagés dans le développement de l’accordéon de concert, nous connaissons beaucoup de choses sur votre carrière et vos projets. Ma curiosité se tourne cependant vers le début de vos études : quel âge aviez-vous lorsque vous avez abordé le monde de l’accordéon et qu’est-ce qui vous a motivé ? Qui a été votre premier professeur ?

J’étais très jeune. Lors d’une fête organisée dans le cadre familial, j’ai été enchanté par le son d’un accordéon qui faisait partie d’un petit orchestre jouant de la musique de divertissement. Je n’avais que quatre ans et j’ai commencé à demander à mes parents si je pouvais avoir mon propre accordéon, alors après deux ans, mon père m’en a acheté un adapté à mon jeune âge. À l’âge de sept ans, j’ai commencé à étudier en prenant des cours particuliers avec Romolo Giaffreda, un professeur d’accordéon de la petite ville du nord de la Calabre où je suis né, Castrovillari. C’était un professeur avec une méthode d’enseignement très personnelle : pendant plusieurs mois, il m’a soumis exclusivement à des cours rigoureux de théorie et de solfège ! J’ai réussi à survivre à son approche et avec un véritable acte de résilience de ma volonté, j’ai décidé en totale autonomie, comme j’ai compensé le manque de leçons sur l’instrument d’explorer par moi-même pendant longtemps cette merveilleuse et ingénieuse caisse de résonance en bois, pleine d’engrenages mécaniques capables de produire des sons longs et vibrants si distinctement timbraux.

Après presque un an de théorie rigoureuse, j’ai finalement commencé à jouer de l’accordéon pendant les cours en présence de mon professeur, qui ont cessé d’être de simples cours de théorie et de solfège et, en peu de temps, grâce à ses enseignements, j’ai acquis une technique prometteuse sur l’instrument qui m’a permis de maîtriser mon premier répertoire d’accordéon. Cependant, mon expérience préliminaire en tant qu’accordéoniste autodidacte a immédiatement donné à mon étude d’importantes compétences d’autogestion dans mes recherches personnelles sur l’instrument, une solide indépendance qui m’a également servi plus tard, lors de mes études au conservatoire et plus généralement pendant la durée de mon épanouissement culturel et musical, de mes compétences et de mes connaissances. Marqué par beaucoup de lectures (pas seulement de contenu musical) et l’étude et l’analyse de montagnes de partitions d’où a émergé au fil du temps la substance de mon répertoire de concert, que j’ai eu la satisfaction de pouvoir jouer dans les contextes musicaux les plus prestigieux au cours de mes trente ans de carrière de concertiste. Pour en revenir à mon premier professeur, j’ai continué à prendre ses cours particuliers jusqu’à l’âge de quinze ans. À cette époque, en Italie, il n’y avait pas de qualification pour les accordéonistes, il n’y avait pas de chaires d’accordéon dans les conservatoires et les études privées étaient un phénomène très courant partout, surtout dans les villes de province.

J’ai une anecdote dont je me souviens avec tendresse et peut-être aussi avec une pointe d’autodérision : Romolo Giaffreda m’emmenait très jeune à Castrovillari et dans les villes environnantes, en tant qu’invité des familles de ses nombreux élèves. Il avait l’habitude de le faire pour me mettre en valeur, pour se vanter des qualités de son meilleur élève (c’est ce qu’il disait) et pour témoigner de sa « méthode » d’enseignement rigoureuse (primum theoria et solfeggio !), qu’il considérait comme très juste… Ce sont des souvenirs d’émotions que je ressens encore sur moi, aussi en raison de la responsabilité dont je me sentais chargée quand j’étais encore si jeune. C’étaient pourtant de merveilleuses occasions de sociabilité, de belles occasions de déguster de la bonne nourriture saine préparée par les grands-mères des familles du sud de l’Italie, à l’époque proto-technologique ! Un slow food au km 0, spontané, inconscient à cet âge-là et dans cette phase historique que l’on pourrait définir comme ante litteram !

2. En ce qui concerne l’instrument, quel type d’accordéon jouiez-vous au début de votre parcours d’étudiant ? Et de quel accordéon jouez-vous aujourd’hui ?

Celui que mon père m’a acheté quand j’avais sept ans était un petit accordéon dit « 48 basses », de couleur rouge, avec le clavier droit « type piano » et le clavier gauche « type basse standard », construit à la fin des années 1970 par les artisans de la société Paolo Soprani de Castelfidardo, la célèbre fabrique d’accordéons de la région des Marches qui a commencé la grande histoire d’un artisanat instrumental qui avait été porté à Des niveaux élevés, tant en termes de qualité que de quantité de production et rendus célèbres dans le monde entier. Après ce premier instrument, j’ai eu plusieurs autres accordéons qui ont grandi en taille et en caractéristiques techniques au fur et à mesure que je grandissais, tant techniquement que physiquement. Mais ce n’est que plus tard que j’ai pu avoir un modèle d’accordéon qui comportait d’importantes innovations techniques. Comme je le disais, j’ai passé ma première jeunesse à Castrovillari, à une époque de l’histoire et dans un contexte géographique périphérique pour lequel je me sentais presque isolé, un lieu où l’actualité des phénomènes et des expériences qui ont mûri dans mon domaine d’intérêt spécifique est arrivée tardivement ou pas du tout, dans une période historique très différente de celle des années suivantes. Quand il n’y avait pas encore de cours d’étude de l’accordéon dans les conservatoires de musique et avant la révolution technologique qui a permis aux générations suivantes de profiter de la diffusion généralisée de l’information sur le web. Ainsi, lors de la première partie de ma formation, comme beaucoup d’autres accordéonistes de ma génération, j’ai développé ma technique en m’exerçant sur des instruments « basse standard » (ou appelés Bassi Stradella) et en acquérant des compétences de jeu très avancées. Lorsque j’ai eu l’occasion de passer à un instrument avec des « basses libres » (notes simples également sur le clavier gauche), je l’ai fait en continuant à jouer un instrument avec un clavier droit de type « piano » et un clavier gauche avec des basses lâches « pour les quintes » que la société Ottavianelli de Castelfidardo m’a fourni.

Une vie musicale riche, cependant, est composée de nombreux chemins en son sein, donc à un certain moment, je suis passé à un nouveau modèle d’instrument, complètement différent de celui que j’avais joué jusque-là, avec les deux claviers avec boutons et avec le clavier gauche avec un convertisseur pour passer de la mécanique de basse standard à la mécanique et avec des « notes simples » distribuées par intervalles de secondes et de tierces mineures. Un instrument qui a été construit pour moi par la société Bugari de Castelfidardo, une usine internationale qui prend encore aujourd’hui grand soin de mes instruments.

3. Pourquoi avez-vous décidé de changer ?

Ce changement d’un modèle d’instrument à un autre s’est produit alors que j’étais déjà un musicien mature et conscient. J’ai décidé de suivre le vent favorable de mon libre arbitre de chercheur en me soumettant à de nouvelles phases d’études rigoureuses et intenses, que j’ai courageusement mises en place. Une volonté de changement qui découlait de mon intérêt naturel pour la recherche musicale, pour les langages innovants, pour l’acquisition d’un répertoire toujours plus large de musique classique contemporaine pour accordéon de concert créé par de grands compositeurs de la « musique du présent », plus précisément pour accordéons à deux claviers avec boutons et avec basse libre pour tierces mineures.

Ce n’est pas qu’avec le modèle d’accordéon précédent, je ne pouvais pas jouer de la musique classique contemporaine de la culture musicale d’Europe occidentale. Au contraire, j’en ai joué beaucoup, acquérant une expérience inestimable et collaborant étroitement avec de nombreux compositeurs importants de notre époque : il y a eu beaucoup de créations musicales qui m’ont été dédiées, écrites spécifiquement pour mon système d’accordéon pour quintes et type piano. Plus tard, cependant, l’accordéon à deux claviers à boutons presque identiques s’est avéré plus conforme à mes besoins de chercheur et aux exigences musicales du répertoire de concert de musique contemporaine qui m’intéressait, et donc plus adapté à mes exigences technico-artistiques en tant qu’interprète d’un répertoire original pour accordéon en cours de développement – celui de la musique contemporaine – que je pouvais potentiellement aborder dans une intégrale avec ce type d’instrument et que j’ai pu contribuer à faire grandir de plus en plus à travers mon travail au plus près de nombreux compositeurs. Le modèle d’accordéon à deux claviers à deux boutons que j’approchais offrait un équilibre technico-phonique très important et présentait une pertinence parfaite pour une multitude d’idiomes des différentes écritures de l’accordéon qui étaient déjà définies et qui étaient en train d’être codifiées.

Comme je le disais, le choix de passer d’un modèle à l’autre d’accordéons aussi différents n’était pas anodin et m’a conduit à une phase de nouvel exercice et d’étude approfondie qui a duré des mois. N’oublie pas, Adèle, que sur le nouveau modèle d’instrument j’ai transféré tout mon répertoire de Musique Ancienne que je jouais déjà avec beaucoup d’aisance et d’organicité sur le modèle de l’accordéon « type piano » et « pour quintes ». Quoi qu’il en soit, les résultats ont été excellents à la fin. Aujourd’hui, je jouis, entre autres, de l’avantage de pouvoir enseigner à mes élèves du conservatoire des doigtés conscients et des techniques d’accordéon avancées pour les deux modèles d’accordéon que j’ai pu expérimenter directement tout au long de ma vie musicale.

4. Votre vaste répertoire s’étend de la musique ancienne (avec des transcriptions de Gesualdo da Venosa, Antonio de Cabezon, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti) à la musique contemporaine. Y a-t-il un fil conducteur entre ces deux mondes qui semblent si éloignés l’un de l’autre ? Pourquoi avez-vous choisi la musique ancienne, selon quelle vision ?

Arvo Pärt, maître du postmoderne, a déclaré dans une interview à la radio en 1968 : « Je ne suis pas sûr qu’il puisse y avoir des progrès dans l’art. Le progrès en tant que tel est typique de la science. L’art présente une situation plus complexe : de nombreux objets du passé apparaissent plus contemporains que l’art d’aujourd’hui ». Dans cette phrase, Pärt exprime sa conviction que le passé continue de vivre dans le présent, quelle que soit sa date de naissance, anticipant l’un des fondements de ce qui deviendra plus tard le post-modernisme. La preuve de cette conviction se trouve dans l’une de ses célèbres œuvres de composition, l’Adagio Mozart, un trio pour violon, violoncelle et piano. Dans cet Adagio, dans une dimension de profonde spiritualité, le compositeur estonien réécrit une page de Mozart pour trio, la transférant dans le monde de la musique classique contemporaine, faisant un grand saut visionnaire et avec une approche prudente que je qualifierais de « magistrale ».

L’accordéon de concert est un instrument qui représente une synthèse intéressante de l’expressivité des instruments à cordes, de l’essence du souffle et du timbre des instruments à vent, de la polyphonie et de la technique d’articulation des doigts des instruments à clavier. Avec mon instrument, j’ai choisi de jouer régulièrement à la fois le répertoire de la musique savante contemporaine et le répertoire de la musique ancienne de la tradition européenne.

Jouer de la grande musique ancienne avec l’accordéon – une opération pionnière proposée avec une grande personnalité musicale ici en Italie par Salvatore di Gesualdo, un maître dont l’œuvre représente un point de départ pour les générations suivantes – a signifié avant tout pour l’instrument de s' »approprier » un répertoire de musique cultivée, en s’émancipant du contexte populaire qui caractérise ses origines.

Mon travail d’assimilation du répertoire de la musique ancienne et mes recherches ont pris en compte une pratique d’interprétation historiquement informée, dont je me suis cependant en partie libéré en renonçant à un philologisme rigoureux qui pour moi est inapplicable en termes absolus avec l’accordéon. L’étude philologique de la pratique ancienne est fondamentale pour ensuite s’en émanciper et arriver à une manière d’interpréter ce répertoire qui prenne également en compte le code identitaire de l’accordéon. Mon interprétation personnelle de la musique ancienne a donc suivi mon désir de faire l’expérience d’une réinterprétation de l’histoire à travers l’accordéon, instrument de la modernité mais en analogie avec les différents instruments à clavier de cette culture musicale spécifique, apte à faire l’expérience d’une forme de post-modernisme. Le répertoire ancien doit être mis en relation avec les caractéristiques de l’accordéon par un travail spécifique sur le son, les doigtés, le phrasé et les articulations du soufflet. L’accordéon ne doit pas être un moyen de proposer le grand répertoire antique en suivant servilement les diktats philologiques des autres types de claviers, mais il doit être un instrument qui joue et retrace une certaine tradition cultivée et l’interprète selon les caractéristiques d’un instrument de modernité.

5. En ce qui concerne la musique de Girolamo Frescobaldi, vous avez enregistré un disque avec le label Brilliant Classics intitulé « Frescobaldi et l’art de la variation ». Que pouvez-vous nous dire sur ce projet ?

Oui, j’ai enregistré un CD avec le label Brilliant Record. Un de mes projets d’enregistrement a été sélectionné par la direction artistique de la célèbre maison de disques, qui a décidé de sa production après avoir écouté certains morceaux que j’avais préenregistrés. Un CD qui a également connu d’excellentes ventes et une distribution mondiale importante. Sur le même CD, j’ai inclus mon enregistrement du Canzon francese del principe (Chanson du prince français) de Carlo Gesualdo et une composition du grand compositeur italien Alessandro Solbiati – écrite pour moi et dédiée à moi – intitulée II Movimento Da Gesualdo per Gesualdi, une référence claire aux nombreux « mon Gesualdi » si entrelacés.

La musique de Frescobaldi et Gesualdo est bien adaptée à la polyphonie transversale et stéréophonique typique de l’accordéon, pour ne donner qu’un exemple. De plus, ces musiques présentent un système de figures et de théories interprétatives qui conservent un fort potentiel expressif du son, capable d’inspirer une interprétation moderne de la substance musicale dont sont imprégnées les pages de ces grands compositeurs de l’histoire.

6. Plus tôt, vous avez mentionné le célèbre accordéoniste Salvatore di Gesualdo : le connaissiez-vous personnellement ?

Bien sûr! Salvatore di Gesualdo était un grand musicien, accordéoniste, créatif et intellectuel italien. J’étais très proche de lui grâce à une amitié intime qui était fortement réciproque et qui a duré plusieurs années intenses (nos noms de famille étant si similaires – presque une permutation ! – semblent une ironie du sort). C’est Salvatore di Gesualdo qui m’a fait approfondir la musique de Frescobaldi. Je peux dire avec fierté que j’étais son confident et son élève sui generis, dans le sens où je tiens à préciser (je sais qu’il aimerait lire ceci), que je n’ai jamais reçu une seule leçon d’accordéon de sa part ; Je n’ai jamais été son élève dans la forme la plus orthodoxe, notre relation en tant que professeur et élève était indirecte : j’ai pu apprendre de lui et saisir le sens de nombreux enseignements au cours de nos conversations extraordinaires et interminables (souvent tard dans la nuit) et au cours de nos longues et inoubliables promenades à Florence, alors que nous respirions l’histoire et l’art d’une ville magnifique. sous les portiques de la Piazza della Repubblica et sur la Piazza Santa Croce ou sur la Via dei Neri en direction du Palazzo Vecchio et des Offices. Je ne peux pas non plus manquer de me rappeler nos sorties, véritables voyages culturels en Calabre (il était un invité chez moi) et au Casentino (j’étais un invité chez lui), riches en expériences musicales et en concerts. Je voudrais rappeler, avec gratitude, que Salvatore a inauguré le théâtre Sybaris dans ma ville, restaurée dans un nouvel éclat à la citoyenneté en 1999, et il l’a fait avec un concert inaugural de mon Festival Castrovillarese, que j’ai dirigé pendant cinq ans dans ma ville natale quand j’étais très jeune.

Je me souviens de notre passion commune pour l’art figuratif, pour la collection, pour la littérature et la poésie de Friedrich Hölderlin et de Paul Celan, de notre intérêt commun pour des musiciens tels que Pierre Boulez et Karlheinz Stockhausen, de notre passion pour György Ligeti, Anton Webern et Luigi Nono, de notre intérêt pour la musique de certains compositeurs issus d’un certain milieu culturel toscan tels que Gaetano Giani Luporini, Luigi Dallapiccola et Mario Bartolozzi. Di Gesualdo a grandement inspiré certains de mes choix culturels, nombreux ont été les indices et les défis de connaissance qu’il m’a lancés dans la recherche de mes propres connaissances personnelles et dans la définition de ma propre personnalité musicale forte et cohérente.

7. Parmi vos projets, il y en a un que vous avez conçu et organisé en 2009, Futurismo in periferia, soutenu par l’Université de Calabre, où l’exposition a fait ses débuts, puis reproduite à Rome et Vernio. Je suis calabrais, et j’étais un ancien étudiant à Unical, peux-tu m’en dire plus sur cette expérience ?

Mes projets originaux, au sens de projets inédits que j’ai conçus, ont été nombreux. Je n’ai pas seulement été impliqué dans l’interprétation de la musique ancienne par l’accordéon, mais aussi dans la musique contemporaine, celle qui représente en fait le répertoire de musique savante de l’accordéon de concert. Puisque vous m’interrogez sur mon projet sur l’avant-garde historique du futurisme, je suis heureux d’en parler.

Futurismo in periferia (Futurisme dans les banlieues) est basé sur une anthologie de poésie éditée par l’historien Vittorio Cappelli de l’Université de Calabre et publiée par le célèbre éditeur calabrais Rubbettino. Il s’agit d’un recueil de poèmes futuristes d’auteurs calabrais qui ont adhéré au futurisme. Le recueil comprend des poèmes de jeunesse de Giuseppe Carrieri, des tables lyriques de Luca Labozzetta et de la beaucoup plus célèbre Leonida Rèpaci, ainsi que des poèmes, des tables lyriques et des synthèses théâtrales de Rodolfo Alcaro, Piero Bellanova, Alfonso Dolce, Leonardo Russo, Giovanni Rotiroti et Luigi Gallina. J’ai été très frappé par la figure d’intérêt historique et culturel de cette anthologie d’auteurs moins connus du futurisme et en particulier par la figure d’intérêt littéraire qui a caractérisé les œuvres de certains de ces auteurs dans la publication – tous des auteurs d’origine calabraise qui ont travaillé, vécu, certains sont partis et ne sont jamais revenus. d’autres sont ensuite revenus et n’ont en fait jamais quitté la Calabre – pendant les années des avant-gardes historiques. J’ai donc pris l’initiative de demander à des compositeurs italiens avec lesquels j’avais déjà travaillé de mettre en musique certains textes de ces auteurs. J’ai demandé aux compositeurs italiens Mauro Cardi, Mario Cesa, Alessandro Magini, Vittorio Montalti, Alessandro Solbiati, qui ont accepté avec enthousiasme et ont écrit quelques compositions qui sont devenues un programme de concert complet pour un ensemble que j’ai choisi et soumis à chacun d’eux : chant récitant, voix de baryton, hautbois, accordéon. Le projet a été présenté en première au PTU (Piccolo Teatro Unical in Cosenza), à l’Accademia di Danimarca de Rome et à Vernio (Prato) au Museo della Macchine Tessili. Le groupe d’interprètes de cette musique écrite pour moi était, en plus de moi-même, la voix extraordinaire du baryton Maurizio Leoni, le talentueux hautboïste Fabio Bagnoli et la voix créative et visionnaire d’Anna Laura Longo.

8. Vos activités de concert et d’enseignement comprennent également votre rôle de directeur artistique du GAMO (Gruppo Aperto Musica Oggi), l’une des institutions italiennes les plus anciennes et les plus distinguées dédiées à la musique contemporaine. Quels types de projets et de collaborations sont réalisés ?

GAMO est l’une des institutions italiennes les plus anciennes et les plus distinguées dédiées à la musique contemporaine. Elle a été fondée en 1980, à Florence, par Giancarlo Cardini, Liliana Poli, Vincenzo Saldarelli, Albert Mayr et Massimo De Bernart avec l’intention de fournir à la ville un instrument supplémentaire d’information sur la musique actuelle, idéalement en liaison avec la Vita Musicale Contemporanea fondée à Florence par Pietro Grossi qui, avec le Settimane di Nuova Musica de Palerme, les Concerts au Teatro di Bacco de Florence et à la Nuova Consonanza de Rome, ont fait connaître l’avant-garde européenne et américaine en Italie à la fin des années 1950 et au début des années 1960. Dès le début de ses expériences artistiques historiques, le groupe historique GAMO était composé des membres fondateurs susmentionnés et de musiciens de la trempe de Roberto Fabbriciani, Ciro Scarponi, Fernando Grillo et Francesca Della Monica.

Au cours de ses quarante-cinq années d’activité, GAMO a donné plus de cinq cents concerts, dont beaucoup avec des programmes comportant de nombreuses premières mondiales. Dès le début, les activités de GAMO se sont caractérisées par des saisons de concerts consacrées au répertoire classique contemporain, le projet d’une bibliothèque audio, des cycles de conférences et de tables rondes, et l’organisation de master classes sur la musique classique contemporaine.

Depuis quinze ans, je suis fier de diriger cette association historique et ces dernières années, j’ai également fondé un ensemble – stable et en résidence à chaque saison du GAMO – que je dirige. Oui, ces dernières années, je me suis consacré à une de mes passions de longue date, celle de la direction musicale, et je l’ai fait surtout sur le répertoire de la musique cultivée d’aujourd’hui. Être directeur artistique d’une institution historique et directeur musical de son ensemble en résidence est une raison pour moi d’assumer de grandes responsabilités, de m’engager et de valoriser.

9. Vous avez donc fondé un ensemble en résidence, le Gamo Ensemble, au sein de votre association : pouvez-vous nous expliquer en détail en quoi consiste votre répertoire choisi ?

En plus de mon activité d’enseignement au Conservatoire « San Pietro a Majella » de Naples et à la Scuola di Musica di Fiesole, de mon activité de concert et de mon activité de directeur musical, mon profil personnel comprend également celui d’organisateur culturel. Depuis 1997, je suis impliqué dans l’organisation culturelle et en particulier dans la gestion des saisons de concerts. Aujourd’hui, je suis le directeur artistique de G.A.M.O. et, comme je l’ai mentionné, également le directeur musical de son Ensemble GAMO. J’invite ceux qui nous lisent à visiter le site web de GAMO (www.gamo.it) où dans la section ensemble vous pouvez trouver de nombreux projets signés par moi. Une caractéristique de l’Ensemble GAMO est la présence dans l’ensemble de l’accordéon (et d’un accordéoniste), qui est presque toujours présent dans les projets et les nouvelles productions que GAMO réalise. C’est un choix résultant de mon amour évident pour l’instrument et de mon intérêt constant pour le développement du répertoire de chambre pour l’accordéon.

10. Comme nous l’avons déjà mentionné, vous enseignez actuellement au Conservatoire de Naples et avez précédemment enseigné à Frosinone et Avellino. Comment l’accordéon est-il considéré et entendu au sein de ces institutions ? Y a-t-il une différence en changeant de territoire ?

Aujourd’hui, j’enseigne à Naples au prestigieux Conservatoire « San Pietro a Majella » où j’ai inauguré la première chaise d’accordéon en 2019. En 2026, le Conservatoire de Naples fêtera le 200e anniversaire de sa fondation, une étape vraiment impressionnante et l’une des plus importantes sur le plan historique.

Dans le passé, j’ai passé un grand moment à Avellino au Conservatoire « Domenico Cimarosa » (là aussi, j’ai inauguré la toute première chaire d’accordéon à l’institut et je l’ai laissée lorsque le nombre de chaises est devenu deux, le seul cas en Italie), et à Frosinone au Conservatoire « Licinio Refice ». Deux conservatoires provinciaux bien organisés où j’ai formé un grand groupe de jeunes qui, après avoir obtenu leur diplôme, sont devenus d’excellents professionnels et certains d’entre eux sont également de bons concertistes actifs.

Les différences que l’on peut ressentir lors du passage d’un conservatoire à l’autre dans différentes zones géographiques sont les différences naturelles que l’on peut ressentir lors des changements d’environnement et de contexte géographique. Outre les différences environnementales naturelles, je peux certainement dire que dans les deux conservatoires provinciaux, Avellino et Frosinone, j’ai très bien travaillé et pendant de nombreuses années, y laissant de merveilleux souvenirs d’expériences pédagogiques et artistiques très positives partagées avec les étudiants, les collègues et les directeurs des instituts.

Maintenant, à Naples, je suis dans une grande ville et dans un ancien conservatoire très prestigieux et historique, où petit à petit et après la pandémie, je m’installe et construis une classe talentueuse de nouveaux accordéonistes. C’est précisément à San Pietro a Majella que j’ai récemment promu une importante initiative culturelle dans sa bibliothèque faisant autorité et importante : j’ai facilité le don, par le musicologue Renzo Cresti à la prestigieuse bibliothèque, d’un important corpus de partitions des archives Cresti – dont certaines sont des autographes – d’auteurs de musique de la seconde moitié du XXe siècle. L’initiative a été accompagnée d’une conférence intéressante à laquelle ont participé le musicologue Renzo Cresti lui-même, le directeur du conservatoire Gaetano Panariello, le directeur de la bibliothèque Cesare Corsi, moi-même et l’accordéoniste – mon ancien élève – Pietro Paolo Antonucci, qui a joué de la musique de Franco Donatoni et Jukka Tiensuu. Mon expérience d’enseignement dans les conservatoires italiens a donné naissance au Rows Ensemble, le groupe de cinq accordéons qui est aujourd’hui un groupe stable qui interprète des projets originaux spécifiques. Mon travail d’enseignement se déroule également à la Scuola di Musica di Fiesole (une municipalité située sur une colline de Florence), l’école historique fondée par le célèbre Piero Farulli, altiste du Quartetto Italiano. Depuis 2017, j’enseigne dans cette école où l’on peut étudier l’accordéon comme dans un conservatoire d’État et obtenir des qualifications reconnues en Italie et en Europe.

11. Passons à une question un peu plus personnelle : entre les concerts, l’enseignement et les autres projets auxquels vous participez, comment conciliez-vous vie privée et vie professionnelle ?

Tant que ma famille pourra suivre mon horaire de travail, je pourrai combiner toutes mes activités musicales éclectiques. Ma compagne, soit dit en passant, est une pianiste accomplie, elle est donc bien consciente de l’engagement de cette profession. Je ne voudrais pas oublier de mentionner parmi mes engagements agréables l’attention indéfectible que j’ai pour mon fils de quinze ans, étudiant en violoncelle et lycéen dans un lycée florentin historique. En général, cela ne me dérange pas du tout de travailler dans la musique pendant dix-huit heures par jour. Bien sûr, je dois avouer que l’énergie dépensée est importante et que la fatigue s’installe, mais faire de la musique, vivre de la musique, ça fait tout disparaître, j’espère.

12. Nous savons que votre carrière est parsemée de projets importants et d’expériences exclusives, pouvez-vous nous parler de vos derniers projets artistiques et de certains de votre passé récent ?

Parmi mes expériences les plus récentes, il y a la publication du premier enregistrement au monde, c’est-à-dire le premier enregistrement public sur CD, d’une composition historique pour cinq accordéons de Mauricio Kagel, intitulée Aus Zungen Stimmen. Il s’agit d’une composition de 1972 du grand maître argentin que j’ai enregistrée avec mon ensemble de cinq accordéons. La production a été assurée par le label EMA Vinci et soutenue par la Fondation Burghardt-Kagel à Bâle. Il s’agit d’une sortie de disque qui comble le seul vide restant dans l’énorme mosaïque d’enregistrements de l’ensemble de l’œuvre de Mauricio Kagel, à qui il manquait la dernière pièce, l’enregistrement de
Aus Zungen Stimmen.

Avec mon quintette, nous avons travaillé sur une nouvelle création du compositeur romain Patrizio Esposito, une composition écrite pour nous et dédiée à nous, destinée à l’ensemble du quintette et développée dans une création vidéo qui interagit simultanément avec la performance en direct des cinq accordéons.

À l’été 2023, j’ai participé à la première mondiale d’une nouvelle composition de Georg Friedrich Haas, pour cinquante pianos en accord microtonal et grand ensemble instrumental, commandée par la Fondation Busoni-Mahler au compositeur autrichien le plus connu et le plus apprécié au monde. Il s’agissait d’une production majeure du Festival de Bolzano Bozen qui a impliqué les jeunes musiciens extraordinaires de la Gustav Mahler Akademie, certains des musiciens célèbres de l’ensemble Klangforum, cinquante pianistes du monde entier, et mon accordéon unique et très apprécié dans le grand ensemble orchestral.

Parmi mes enregistrements récents, il y a une composition pour flûte et accordéon de Luigi Manfrin avec la flûtiste Laura Bersani. L’enregistrement sera bientôt inclus dans un CD monographique du compositeur, spécialiste des spectralistes, de leur esthétique et du travail de composition de Fausto Romitelli.

En septembre prochain, je renouvellerai ma collaboration avec le compositeur Luigi Manfrin en réalisant un projet de performance en première mondiale consacré à certaines œuvres du Tintoret, l’un des plus grands représentants de la peinture et de l’art vénitiens de toute la Renaissance, dont le compositeur s’est rapidement inspiré pour écrire cinq nouvelles compositions, pour accordéon solo et électronique. pour accordéon-saxophone-piano-basse et électronique, et pour d’autres formations combinées toujours basées sur cet ensemble de quatre instruments. Le concert présentant les premières mondiales de ces cinq nouvelles compositions de Manfrin comprendra la projection simultanée d’images des peintures du Tintoret.

Le 29 juillet, je reviendrai en tant qu’invité du Festival de l’Accademia Chigiana, l’un des plus importants au monde, avec un récital de mon cru avec un programme mettant en vedette la musique d’Aldo Clementi, Girolamo Frescobaldi, György Ligeti, Carlo Gesualdo et Sylvano Bussotti. De Bussotti, j’interpréterai Puccini a caccia, poème pour accordéon, percussion et voix invisible, une composition d’une performance et d’une beauté rares que j’ai déjà jouée pour le Festival Puccini à Torre del Lago.

En tant que directeur de mon ensemble, ces derniers temps, j’ai travaillé avec des compositeurs tels que Claudio Ambrosini, Mauro Cardi, Alessandro Solbiati, Mauro Montalbetti (j’ai aussi récemment joué pour l’Ente Concerti Pesaro la première mondiale de sa pièce pour accordéon écrite pour moi) – en faisant quelques premières mondiales – et j’ai dirigé un programme monographique consacré au centenaire de la naissance de Luigi Nono. lors d’un concert inclus dans le 86e Festival Maggio Musicale Fiorentino.

Je retournerai bientôt jouer en concert mon programme pour accordéon et électronique qui a été créé au centre ZKM de Karlsruhe en 2014 et enregistré pour une autre production discographique EMA Vinci, qui se vante d’un succès critique et d’interprétation significatif. D’autres projets, à la fois en tant que chef d’orchestre de mon ensemble, en tant qu’organisateur culturel et en tant qu’accordéoniste, sont en cours de développement et de réalisation entre fin 2024 et toute l’année 2025.